THE EXORCIST (or Achieving a Trascendental Film)

Merrin, his faith, and the amber light against Pasuzu.

I.    The Man Behind The Legend.

“That’s much too vulgar
a display of power, Karras”
(Regan/Demon)

William Peter Blatty is an American novelist and screenwriter. He was born in New York City January 7, 1928. He had a hard childhood as his father left home when Blatty was 6. His mother raised him up in poverty, but with education. Blatty graduated from Georgetown University, where he received an A.B.

Even though William Peter Blatty’s work reaches over 8 novels and more than 10 screenplays, it is undoubtedly that his major work was to its date, and has been, ever since: The Exorcist.

Blatty had a very rooted fear of death since childhood. In many ways, this lead him to search for a sign of something beyond our perceived reality. Books like The Exorcist, Legion, and The Ninth Configuration shed some light in the author’s obsession with this. They attack layered themes like good and evil, and magic and fantasy. “Blatty’s own obsession with ‘magic’, or more precisely with ‘evidence of transcendence’, has its roots in a youthful terror of death” (Kermode, 1998).

Both The Exorcist and Legion have its roots in documented facts. William Peter Blatty saw a late 40’s Washington Post article about an exorcism case involving a twelve year old boy. This provided Blatty one of the most tangible proofs of ‘transcendence’. Blatty intended to make a non fictional account of the story, but the church never let him publicize anything regarding the exorcism case.

Blatty didn’t let this blow bring him down.

He got his things, headed to Lake Tahoe, rented a cabin (cabin 666, according to him), and started writing the work gave him a spot among history: The Exorcist.


    II.    The Story

“Shall we summon the writer?
I believe he’s in Paris”
(Dennings)


An old priest, Father Merrin, is working in an archaeological excavation in Iraq. He finds an idol: the ancient demon Pasuzu.

Meanwhile, Chris MacNeil has just moved in to Washington with her daughter, Regan. Chris is a well known actress working in a new film. Regan is a 12 year old girl that misses her father, and starts playing with a Ouija board to pass the time. When Chris finds out something’s wrong with her daughters health, she takes her to see the doctors. They can’t find anything wrong, and she keeps getting worse and violent.

Regan starts acting as a totally different person. Chris is completely shocked by what her daughter has become. There’s a point in which Regan’s actions are beyond anything humanly possible. The doctors advise Chris to seek for another kind of help: spiritual.

Chris asks Father Karras, a priest with decadence in his faith, for help. After two visits, Father Karras accepts Regan’s is a case of demonic possession. The high priests decide to call Father Merrin as the main Exorcist, and Karras will assist him.

Merrin arrives, and Regan/Demon is at its most powerful and shocking state so far. Merrin and Karras perform the exorcism. It doesn’t seem to be working. They take a break. Merrin decides to go back in and leaves Karras outside.

When Karras enters the room, he finds out Merrin is dead. Karras takes Regan, hits her and commands the demon to take him. The demon possesses Karras, and he jumps out the window, committing suicide. Regan is back to normal.

    III.    A Demon Can’t Be Analyzed

“I not good to you, Dimmy?
Why you leave me to die all alone?”
(Regan/Mother)

We live in a time in which the society in general has witnessed a decrease in spiritual fervor. Not just talking about religion, but in its more general concept. Our lifestyles take us to consider the tangible, safe things around us. If the question Is somebody out there? Shall be introduced in a gathering, many people would either ignore the question or deny the existence of anything but what men has discovered to be true. It is in this theological/philosophical/metaphysical cornering that The Exorcist breaks through and brings the supernatural, the ‘magic’, the ‘transcendence’ into a very real context. It makes it approachable.

The interesting thing about The Exorcist is that it introduces three characters with major revolts against faith: Chris Macneil, who is an atheist; Father Karras, a priest with a wound that makes him doubt his faith; and Lt. Kinderman. Merrin, then, would act as the archetypical figure (perhaps the only one in the movie besides “the Shadow”) of the Old Wise Man.

Chris MacNeil is an atheist actress. But this is not the only issue in her life that needs a bit of a tweak. She has been neglecting her daughter by spending most of her time at work or at debauchery parties with her friends. And the worst, maybe the fatal flaw in her is that not only is she an atheist but she is a woman that places her philosophy in everyone around her.

She is totally against any kind of religious symbols in her house, for her or for her daughter. In the movie is not as clear how radical she is about her denial of God. In the script, however, you can see how Sharon is terrified of her thinking that she placed the crucifix in Regan’s room. Sharon immediately tries to convince her that she’ll never try anything. This gives us a sense of how open this woman was to be confronted by supernatural forces.

But let’s not confuse the supernatural realm this movie wishes to portray with an evangelization with catholic biases. The context in which this movie develops is just a tangible, approachable situation. It only acts as a tool to bring the audience closer and open to what’s going on. It could’ve been set up in a Native Mexican community with Shamans, and exotic rituals. But this scenario would not be as effective to tell the story to most of the people as something involving the most popular religion in the world.

All these faulty characters: Chris, Karras, and Kinderman, are people that have been living by certain values and beliefs that are now totally obsolete, or in crisis, thanks to Pasuzu and its possession of Regan. “This was the opportunity for Karras and Lt. Kindermann to see that the world is much more than killers, and loved ones dying” (Kermode, 1998). But this is also true for Chris MacNeil who almost needs something like this to happen to revalue what she has: her little girl.

The execution of the film is great. The make up still holds up to this date. The special effects, even though a bit rustic, still are effective. And the direction of the film is overall fantastic. Every actor, in each of their scenes, really brings the top of their game, and no one ever overshadows the other. There is a great balance between the different strong characters presented throughout the film.

One of the main aspects that grabs your attention is the awesome photography throughout the events. The film starts with a much warmer lighting in all the scenes. From the night shot of Chris’s house at the beginning, with the warmth of Regan’s room dissolving to darkness; to the aridity and blazing sun of the Iraq desert, to the church’s interior scenes; the first part of the movie is of an amber chiaroscuro. This echoes the dissolving faith of the society when in the latter scenes, the blue, gray and black color palette reigns over each frame.

    IV.    Between Regan and Emily.

“How can they don’t believe in God,                                 “Call us ‘Legion’,                   
If I show them the Devil”                                                    Karras. We’re many.”
(Emily Rose’s letter)                                                           (Regan/Demon)

There is a great parallelism between The Exorcist, and The Exorcism Of Emily Rose. The simplistic parallel would be that they both deal with a demonic possession of a girl. But both these movies really speak to a broader, deeper theme. These are not light horror tales. They represent, in either timeframe, society’s progressive, unstoppable rejection of faith. There is something out there, and these movies bring that to the open.

While 1973’s The Exorcist, tells a minimalistic story of a drama in a high class, atheist family; 2005’s The Exorcism Of Emily Rose, also tells a story of the struggle of a young woman, her family, and a priest against a demonic possession. This time, though, the family is a lower class, rural family. They are extremely religious.

In The Exorcist, the movie almost presents us a microworld of what’s starting to happen: society losing faith. An atheist actress with religious domestic assistants; a priest losing his faith; and a detective that is open to “alternative” explanations of the facts. They are all in one way or another, exceptions to the rule.

In The Exorcism Of Emily Rose, the context is reversed. The rural, religious family is the exception to the rule. In one sense, it represents the fact that spiritual monopoly is in the hands of illiterate people. In other sense, it represents how the legal frame (society’s value system) does not even considers alternate occurrences to one of their own. But in the end, the legal system redeems itself by understanding and being open minded.

This inconsistency of “character” is landed in attorney Erin Bruner, who’s not an atheist, just a lost soul. She doesn’t know what to believe, and in fact rejects any possibility of supernatural occurrences despite the phenomena she’s witnessed. The whole society, then is related to a character with a case of extreme crisis in its belief and value system.

In the end, both religious and atheists are challenged to consider alternate solutions. While in The Exorcist, Chris needs to consider religious help to cure Regan, in the case of The Exorcism Of Emily Rose, the religious family is challenged to consider scientific explanations, all this in the frame of a legislative tribunal.

In both cases, the fear that emanates from the screen much of the time comes in the form of psychological terror. There is something very dark and haunting about shaking your spiritual conceptions. It is talking to something very primitive, in this point, almost exotic. But at the same time, it is something very relateable to us, because there is an inherent need for the human being to search for explanations. The human is a symbolic animal, more than an “intelligent” animal. This makes us search for truths that then we feel very attached to. When those truths are challenged, we feel vulnerable, and it is something unknown.

And the unknown always resonates with our childhood fears.

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PHOTO: http://www.dailyfilmdose.com/2010/10/exorcist.html

POWDER KEG (o Una Cátedra En Estructura En Cortometrajes)

Todavía con la resaca de los Oscars a pleno vuelo y con la gran descepción de ver cómo brillaban dos películas que, a un juicio personal no merecían tanto alboroto; de ver cómo muchas que sí merecían grandes reconocimientos eran ninguneadas; y, en cuestión de espectáculo, ver un show bastante mediocre, pasemos a cosas mejores. Un film bello, sólido y que esconde las semillas para lo que sería un gran largometraje.

Powder Keg es el único cortometraje en el que colaboró la ya fallecida pareja creativa conformada por Alejandro González Iñárritu y Guillermo Arriaga. El corto se hizo como parte de una serie de BMW, es relativamente viejo, pero su importancia artística y comercial no disminuye con el paso de los años. Tanto Arriaga como Iñárritu se dan a la tarea de llevarnos por una historia muy emotiva, muy honesta y en la que tus ojos se quedan inevitablemente pegados a la pantalla. Es una historia sobre la pasión por lo que hacemos, una visión alternativa al sentido de la vista, y los puntos fraternales que pueden alcanzar dos desconocidos. Se trata de cómo El Conductor, el único personaje recurrente en toda la serie de cortos, tiene que rescatar a un fotógrafo de guerra de territorio hostil. De  Powder Keg se pueden alabar muchas cosas, pero destacan tres elementales: el respeto a la historia, el gran trabajo actoral, y una historia bien estructurada.

Iñárritu entendió la película como lo que es: un cortometraje patrocinado por una gran marca. Se dedicó a contar una historia y todo lo puso como elementos subordinados a ella. No comprometió en nada la agudez dramática de la trama, por ejemplo, por darle protagonismo a la BMW X5 comandada por el siempre excelente y cool Clive Owen. Obviamente se tiene que mostrar el producto y así lo entendieron tanto Arriaga como Iñárritu, pero se utiliza como un personaje más, sin perder de vista el objetivo primordial de respetar una historia -muy común en la dupla creativa- tan bella como sórdida. El escritor y el director tienen una gran fortaleza y habilidad para llevarnos a estos terrenos y yuxtaponerlos de forma muy cómoda y sencilla.

Ambos han sabido encontrar la poesía en la obscuridad y esto queda plasmado en la filmografía de la dupla, siendo el más claro ejemplo el último trabajo del director: la menospreciada Biutiful. Y Powder Keg no es la excepción. Un fotógrafo agonizante -un vulnerable Stellan Skarsgård- le explica en cuestión de segundos un contexto y una backstory que muchos largometrajes quisieran exponer de manera tan orgánica, natural, y sutil: es fotógrafo gracias a su madre, quién le ha enseñado a ver. Todo esto en un contexto de alta tensión, adrenalina y fino melodrama. De hecho, tanto los personajes como el producto son retratados en un claro balance y equilibrio que soporta a la historia y al contexto. Si el contexto es sucio, tanto personajes como el producto deben ensuciarse. ¡Y de qué manera!

El trabajo actoral que logran imprimir tanto Clive Owen, Stellan Skarsgård, así como la breve pero punzante participación de Lois Smith como la madre del fotógrafo, es sencillamente honesto. No hay modelos de comercial ni exageraciones más allá de las permitidas por el hiperrealismo de este drama bélico región 4. No hay caricaturas. Cada personaje es fiel a lo que se debe proyectar ante una historia que fácilmente puede ser catalogada de simple. La realidad es otra. No hay simpleza alguna más que aquella que los grandes artistas saben imponer de manera que lo difícil se ve fácil. Es una trama llena de matices y así de matizadas son las actuaciones. Se tienen que proyectar sentimientos tan dispares como la ansiedad, la resignación, la desesperanza, la desconfianza y llegar a un punto en que dos extraños se hacen hermanos. Y los actores lo logran sin que se sienta atropellado ningún punto de su arco dramático. Todo esto en escasos diez minutos y fracción.

Menos de once minutos no es ni el tiempo que dura un primer acto clásico en un largometraje standard, y Arriaga e Iñárritu logran ejecutar una historia muy cohesiva y de tres sólidos actos. La película empieza en tono y forma que son coherentes a sus temas: una ejecución múltiple, una estética lodosa y cruda, y una cámara subjetiva que nos permite ver lo que de otra forma no nos sería alcanzable. El fotógrafo es descubierto por los verdugos e intenta escapar no sin antes ser herido de bala. Se agazapa con la intención de calmar las cosas. La cámara nos enseña a nosotros lo que los militares no pueden ver y, quizás, él tampoco. Esta pequeña secuencia ya logró varios objetivos de un primer acto: establecer personaje, un conflicto, mundo, tono, temas, y le da al personaje un lugar a dónde ir.

Si bien el destino físico del personaje se brinda al final del primer acto en la forma de una huida, el destino espiritual, o la necesidad temática de nuestro fotógrafo se desarrolla en el segundo acto, dónde conoce a su aliado: el conductor. Aquí, mediante una plática llena de tensión por la situación en el exterior del auto, descubrimos lo incómodo que se siente el fotógrafo, no tanto por ir herido, sino porque está hundido en un desencanto brutal sobre su trabajo. No le ve el punto. No le ve lo útil. Se siente inhumano al haber presenciado tanta tragedia entre hermanos, sin ninguna otra reacción más que apretar el obturador de su cámara para sacar la gran foto. Siguen en huida de alto voltaje. En medio de ese desconcierto, en esa desesperanza, en la que el conductor atina a preguntarle por qué hace lo que hace. El fotógrafo, con su mirada perdida pero en eterna búsqueda le contesta que gracias a su madre, pues ella lo enseñó a ver. 

Es en este punto en el que llega el clímax interno y externo de la historia y se abre el tercer acto. Llegan a un retén/frontera en el que el conductor se maneja con toda calma, diplomacia y seguridad. Los oficiales a cargo de la frontera son muy hostiles. Se siente la capacidad de matar impulsivamente. Llenan la pantalla. Es en este punto, cuando todo parece terminar bien, que el fotógrafo atesora su trabajo y atina simplemente a levantar la cámara y disparar sin importarle las amenazas. Si va a hacer su trabajo, lo va a hacer bien, y hasta la última consecuencia. Si va a ser "inhumano" va a ser el más ruin de los inhumanos. Los militares disparan, el conductor cruza la frontera en una secuencia en la que se pone en evidencia la saña de los militares, la capacidad del conductor, y la gran rudeza, aguante y versatilidad del producto. Lo logran. Pero el fotógrafo muere.

Tenemos al final, un pequeño denouement en el que el conductor llega a la casa de la madre del fotógrafo para entregarle las dog tags de su hijo muerto. Descubrimos que la madre que adoctrinó a su hijo en la habilidad de "ver" es ciega. El conductor también viene con buenas noticias: su hijo ha ganado el Pulitzer gracias a sus fotografías. El mundo fue testigo de lo que él alguna vez creyó inútil. 

Y la madre, ciega y vulnerable, recibe la garantía de muerte y de vida eterna de su hijo, al tiempo que el conductor se retira entre una luz cegadora, hasta desaparecer en un desenfoque elegante, mientras la luz inunda la pantalla, y al espectador.

PARANORMAL ACTIVITY ( o Goliat Caerá Una Y Mil Veces)

Vivimos en una época en la que los ejecutivos de los grandes estudios se quiebran la cabeza por saber cuál será su siguiente film a realizar, sólo para terminar realizando un remake mediocre de algún éxito del pasado, o una secuela ridícula de algún éxito reciente (o absurdamente pasado). Sin embargo, de repente nos encontramos con esas joyitas que, sin mucho ruido, se les ponen al tú por tú a las grandes producciones. Esas gemas en las que trabajan personas que todavía ven en el cine una pasión y un arte noble, y que además comprenden que esa pasión y ese arte no tiene por qué pelearse con el factor entretenimiento. "Juno", "Little Miss Sunshine", y "500 Days Of Summer" son grandes y recientes ejemplos de esto.

Todo lo anterior es exponencialmente más notorio en un género específico: el terror. Es éste género uno de los más manoseados del cine. Franquicias interminables ("A Nightmare On Elm Street", "Friday the 13th", "SAW"); parodias estupidísimas; mezclas grotescas ("Alien vs. Predator"; "Freddy vs. Jason"); e interminables películas condenadas a la eterna burla, en su mejor caso o, con menos fortuna, condenadas al olvido, son algunas de las cualidades y factores que hacen de éste género el más ninguneado y minimizado del cine. 

Asimismo, es éste género el que ha dado a luz películas vanguardistas, que nos hacen ver las cosas como son: el cine es de historias interesantes, de ideas, de riesgos y es de creatividad; el presupuesto debe complementar lo anterior, no ser un condicionante para. El terror ha sido un género muy aceptado por los estudios porque es, en términos generales, un género barato y con una audiencia cautiva. Un estudio puede no aceptar dramas, o buddy-movies, pero siempre tiene las puertas abiertas al terror. Y, como en todo lo que es abusado, se da que tenemos que pasar por mucho tiempo para llegar a ver otra película de terror que valga la pena. 

En la primer década del nuevo milenio hemos sido testigos de varias joyas del terror. Pero en específico, llaman la atención aquellas que, con un presupuesto casi inexistente, logran impactar en el mercado y a la vez proponer algo en tan desgastado género. "The Blair Witch Project" nos anunciaba en 1999 lo que "Rec" y la efectivísima "Paranormal Activity" reafirmarían en 2007 (aunque ésta última tuvo una exhibición más agresiva hasta el 2009): el terror está vivo, y nada tienen que ver ni las franquicias, ni las estrellas, ni los estudios. Historias interesantes, personajes con un nivel de realidad,  mercadotecnia inteligente y una ejecución que vaya de acuerdo a la historia, son suficientes para hacer ruido y meter gente a las salas.

"Paranormal Activity" cuenta la historia de una joven pareja que comienza a ser acosada por lo que parece ser un ente paranormal. Fantasmas, demonios, energía. No se sabe qué es. E inmediatamente surgen dos ángulos sobre cómo lidiar con el tema: las dos surgen de la ignorancia. La mujer se toma totalmente en serio los incidentes. El hombre los toma con ligereza, y hasta se burla. Pero lo más importante dentro de "Paranormal Activity" es que la película va más allá: explora la vida de una pareja joven.

La película pareciera tratar sobre la incomunicación entre parejas. Sobre el estilo de vida caduco, retrógrada, y fatal (literal y metafóricamente) de las parejas jóvenes americanas sin importar su ascendencia. El fantasma es un incidente real y a su vez una metáfora. Bien dice Roger Ebert que es muy delicado hablar de metáforas en el cine porque es muy fácil argumentar cualquier significado. Sin embargo hay veces que no se tiene que hurgar de más, para ver una realidad muy directa y transparente. El fantasma representa esa común falla que las personas reconocen o aceptan muy "tarde" en su pareja, y que por incomunicación, ignorancia, o simple incompatibilidad siempre en negación, termina por matar la relación.

Es un tema reconocible, pues. Una película de terror, como ya lo dijo el maestro canadiense Paul Jensen, no funciona si no existe una evocación a lo ordinario, a lo familiar. Es dentro de estas gastadas y fallidas relaciones sentimentales dónde habitan los verdaderos monstruos y fantasmas que aterrorizan emocional y físicamente. Una buena historia de terror tiene subtexto, tiene capas, tiene una tésis temática fuerte y argumentada.

George A. Romero y sus zombies evocaban la estúpida obsesión humana por tratar de hallar soluciones a problemas que nosotros mismos negamos. No vamos a la raíz de los asuntos. No operamos ni prevenimos, tomamos una aspirina para dolores de cabeza. Kubrick en "The Shining" iba más allá de una historia de un escritor enloquecido: atacaba directamente una imagen de familia que distaba radicalmente de lo que the american dream predicaba.

"Paranormal Activity" no es diferente. Tiene la fortuna de contar con una ejecución que obedece, a parte de a cuestiones económicas, a una armonía con su tema. La inmediatez de la era digital, la alienación de las personas hacia lo material y hacia sociedades virtuales es otra forma de separación entre familias, parejas, amigos... entre humanos. La cámara nos sirve como recurso narrativo que va más allá de lo que la pareja puede ver. Es una cámara montada sobre un tripié, la que detecta ese fantasma, ese demonio, esa falla. Es como la cámara de vigilancia de la pareja. Sólo ella (y nosotros) ve lo que para ellos son meras suposiciones, cosas infundadas, cosas que cada uno cree poder controlar a su manera. Y así, sin una estrechez, sin una comunión, sin una comunicación real y efectiva, la herida no sana, sino que crece y crece hasta que termina por destruir. Destruye como todo aquello que nosotros mismos dejamos crecer.

Y así, con valores de producción dignos de cortometraje estudiantil; con emplazamientos de cámara que están subordinados a la historia que se cuenta; y con una contundencia en el arte de asustar: (que esto nos llevaría otra entrada completa) con minimalismo, con atmósfera, con un ascenso de tensión, con esos miedos que todos tenemos clavados desde la niñez; "Paranormal Activity" se puede jactar de ser uno de esos garbanzos de a libra del cine de terror. 

Pero David se puede convertir en Goliat. Ahí viene "Paranormal Activity 2."

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FOTO: http://www.canaltcm.com

Horror 1-0-1 (Basado En La Master Class De Paul Jensen)

Stephen King reconoce los puntos del género. Él ha asegurado que siempre, en sus páginas, busca uno, si no lo logra pasa al siguiente, y si fracasa, se queda con el nivel más bajo.

TERROR- Es la experiencia que te traumatiza como espectador. El creador busca aterrorizar a su público con una sacudida a valores establecidos, y creencias populares. (The Exorcist, The Shining)

HORROR- Es la experiencia de los "sustos" mezclados con el "pasarla bien". (An American Werewolf in London, Drag Me To Hell)

GROSS OUT- Es la búsqueda del "shock value". Cuando no queda ninguna otra opción de llegar a sacudir a la audiencia, irremediablemente terminas en esto. (Hostel, Saw, The Fly)

No quiere decir que no existan películas Gross Out que no tengan ningúna capa de profundidad. Un caso es The Fly, en la que el comentario social se presentaba en un momento en que las audiencias estaban sumidas en una ignorancia generalizada sobre el SIDA.

El mismo Stephen King, se hace tres preguntas antes de comenzar a escribir palabra alguna.

WHERE ARE THE MONSTERS? Esto te da dos cosas en automático: el contexto y las fuerzas antagónicas.

WHAT DO THEY WANT AND WHO IS STANDING IN THEIR WAY? Le da motivación a los monstruos, lo cuál los hace tridimensionales, y te permite ser consistente. Además esta pregunta te hace pensar en quienes serán los héroes.

WHAT HAPPENED, THEN WHAT? La respuesta a esto te da el clímax de tu historia, así como el denouement de la misma. Termina la historia en triunfo, o en tragedia? Qué le sigue? La materialización de la utopía, o el infierno?

Existen 10 convenciones del género, según Paul Jensen:

1. Toda gran historia de horror evoca lo familiar, lo ordinario. Cuando la historia está anclada a algo relacionable y creíble, asusta mucho más.
2. Siempre tiene que haber una advertencia casi desde el inicio de la historia. Esto impone un sentimiento de amenaza que no abandonará al espectador.
3. Todo relato de horror tiene un elemento de Historia. Algo ha sucedido en el pasado.
4. El héroe debe pagar por su curiosidad. Tiene que haber consecuencias hacia aquél que se le ocurra abrir La Caja De Pandora.
5. Todo horror y suspenso, únicamente funciona si logras establecer un alto nivel de anticipación por parte de la audiencia.
6. El horror siempre evoca a la transformación, ya sea física (zombies, vampiros) o interna (posesión demoníaca, locura).
7. El horror y suspenso funcionan mucho mejor cuando hay una perspectiva enfocada. Tener un claro punto de vista, eleva el nivel de identificación de la audiencia hacia los personajes, y por lo mismo te afecta mucho más.
8. El horror trata sobre la maldad interna, nuestro lado obscuro.
   
9. Debes perder el miedo a lastimar a tus personajes. Especialmente en las primeras 30 páginas (primer acto) debe haber eventos que perjudiquen gravemente a tus personajes, pero tienen que venir acompañados de testigos y/o consecuencias.
10. El horror evoca a la niñez. Los más profundos miedos de la niñez nunca se van y tienen que ser detonados por medio de la experiencia del relato. Éstos miedos han sido identificados como: abandono, obscuridad, lo desconocido, el "coco", el dolor, la muerte y la impotencia o pérdida de control.

¡Disfruten sus historias de horror!
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FOTO: thevoyeurs.files.wordpress.com

Pulp Fiction (1+2= 1)

Pulp Fiction de Quentin Tarantino, es una mezcla entre comedia negra y drama de crímen, que cuenta tres historias separadas y a la vez interrelacionadas. Esta película ha sido pionera en el uso de muchos recursos estilísticos que no se habían visto mezclados de la manera magistral en las que los mezcla Tarantino.

También es una película considerada por muchos críticos como "el film más influyente de la década de los 90´s". Asimismo, la película ha sido víctima de dos fuertes malinterpretaciones: una historia contada en repetitivos flashbacks, y que se trata de una película que cuenta tres historias independientes autónomas. Ambas cosas son incorrectas.

La película se cuenta en narrativa fragmentada, que es muy diferente a los flashbacks con los que a veces se confunde. La herramienta del flashback se utiliza para necesidades de exposición, además de que se dedarrollan después de un detonante.

Esto se ve, por ejemplo en la secuencia de "Paris" en Casablanca, pero no tienen nada que ver con la forma en la que Pulp Fiction está escrita. De hecho, en Pulp Fiction existe un flashback que da inicio al segmento de "The Golden Watch", y éste se usa, exclusivamente como exposición del personaje de Butch.

El film, entonces, está simplemente escrito en una forma de narrativa que no es común en el cine. Es una narrativa no-linear, similar a muchas historias escritas en forma de novela. Así, cuando muchos pseudo-críticos y periodistas de "cultura" critican a Guillermo Arriaga, o a González Iñárritu por no salir de la misma "fórmula" de contar sus historias, están cayendo en una falacia épica.

Queda claro que cada una de las historias que se cuentan: "Vincent Vega & Marsellus Wallace's Wife"; "The Golden Watch"; y "The Bonnie Situation" tienen madera de ser no sólo parte de esta película, sino filmes independientes. Pero al final de cuentas, el único personaje de todos los que aparecen, que culmina su arco dramático es Jules.

Su historia, es una historia de redención, y es ésta la línea temática que hila todo el film. Es esta trama, la principal, y las demás (Butch y Vincent & Mia) son subtramas que se relacionan temáticamente con la historia de Jules. Jules es protagonista en el fragmento de "The Bonnie Situation", llamado en el guión "Jules, Vincent, Jimmy & The Wolf".

La película inicia con una secuencia que inmediatamente plantea el tono y ritmo del resto del film. Rumbo al final de la película, queda claro que en la secuencia inicial Jules está presente, y esta escena es parte fundamental de su historia.

El catalizador de la trama se da en la escena de la ejecución a Brett y sus aliados. Es aquí cuando la película parte hacia la subtrama de Vincent & Mia, y después a la de Butch, para después retomar la historia de Jules. Ambas subtramas, sirven de tramas temáticas que se relacionan al cambio interno por el cual Jules está pasando.

Estilísticamente la película da un guiño a quién es el personaje principal, pues se toma la decisión de abrir la película con él, y cerrarla con él. Algunos pueden argumentar que Vincent también participa al inicio y al final de la película. Pero Vincent muere poco después, según la línea de tiempo del film, no sólo esto, sino que Vincent se queda durante toda la película en un sistema de supervivencia obsoleto y sin ningún guiño al cambio.

Las dos subtramas, entonces, sirven para retratar esa horrible verdad detrás del estilo de vida que Jules eligió llevar por muchos años. Al final, y después del "milagro" en el departamento de Brett, Jules entiende de otro modo su pasaje bíblico, y por consiguiente, se convierte en un hombre nuevo.

"(laughing) I'm going, that's all there is to it. I'm fucking going."

-Jules in Pulp Fiction

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FOTO: www.funkycanvasart.com

CRONOS (o El Vampirismo Múltiple)

Cronos. El primer largometraje de Guillermo del Toro. La película más cara en la historia del cine mexicano hasta ese entonces. Una historia de alquimia, de eternidad, de ciclos. Una historia cuya realización casi destruye el futuro de Del Toro. Después, gracias a su apuesta por el cine de horror que tanto le gusta, la película realmente le construyó el futuro.

Cronos es la historia de Jesús Gris: un anciano dueño de un bazar de antigüedades que descubre, dentro de la figura de un Arcángel, un enigmático mecanismo en forma de huevo dorado. El anciano es acosado por Ángel De La Guardia: un hombre rudo y ambicioso, que sigue órdenes de su tío: un anciano obsesivo compulsivo y millonario, que lleva años sumergido en la búsqueda del aparato.

Esta película es una historia de vampiros. Simple y llana. Pero al momento de cuajar la historia durante cerca de 10 años, Del Toro logró concentrar una reimaginación del vampirismo. Esta búsqueda por una originalidad, por un nuevo mito, lo llevó a encapsular en cerca de 94 minutos distintas capas de vampirismo. Estas capas, como en todas las películas de Del Toro, están presentes para complementar, agregar y perfeccionar el tema de la película. Así, durante la historia te encuentras con el aparato de Cronos, en el cual habita un insecto vampírico por sí mismo, el origen del vampiro mexicano. También se da un vampirismo entre países: casi casi como una predicción de la extrema globalización a la que hoy en día el mundo está sometido. Otra capa de vampirismo se encuentra en los distintos guiños que se le dan al catolicismo durante la película: la religión más vampírica que haya creado el hombre. Por último, está el mismo Jesús Gris, quien es el primer humano vampiro en la historia, después del alquimista que inventó el aparato.

El aparato en la película es el que lo inicia todo. Creado en Veracruz, México, por un alquimista que venía huyendo de la inquisición y que buscaba la llave de la vida eterna. Cuatrocientos años después de la invención de Cronos, en la ciudad de México se derrumbó un edificio. Entre los escombros se encontró a un hombre con la piel azul-pálido, con un trozo de madera atravesándole el corazón. Ése hombre era el alquimista. Su invento había funcionado. El invento es un huevo de oro con simbología sobre eternidad y ciclos, que da refugio a un insecto parecido a un escarabajo. Al accionar el aparato, el huevo saca 3 aguijones de un lado y tres del otro, los cuales se encajan en la piel del usuario. Una vez afianzado al cuerpo del usuario, el aparato encaja un último aguijón que se despliega de la parte frontal. Este aguijón es el que empieza el proceso de filtración de sangre de la persona. El objeto filtra sangre, la purifica y a su vez rejuvenece y revigoriza a quien lo usa. Sin embargo, también deja una pequeña lanceta dentro del cuerpo, la cual se encarga de diseminar la dosis del jugo del insecto, sustancia que crea una fijación y necesidad por beber sangre. Obvio, se necesita de reservas nuevas del líquido para que todo funcione, no se logra la vida eterna mediante el mero reciclaje. El insecto es, pues, un vampiro en sí mismo.

En los primeros planos de la película ya se deja ver un comentario sobre una Ciudad de México invadida por otros países. Se alcanzan a ver, por ejemplo, señalamientos urbanos en algún idioma asiático. Ya adentrados en la historia, se alcanzan a ver en el cuarto de juegos de la niña, muchos periódicos pegados en las paredes. Entre todos los idiomas que se ven plasmados en dichos periódicos, se alcanza a ver el ruso. Asimismo, los antagonistas del filme, el Sr. De La Guardia y su sobrino Ángel De La Guardia, son anglosajones. Una ciudad invadida por otras culturas, por otros países, definitivamente es una ciudad vampirizada. Desde el momento en que ideologías, tecnologías, procesos, entre otras cosas, se comienzan a intercambiar entre países, se puede decir que ya no hay un país puro. Al contrario, se puede decir que todos esos países, ahora llevan en su sangre, corriendo por sus venas, el jugo de otros entes que llegaron y dejaron su sustancia. Y no se deja de ser parte de algo.

El catolicismo es algo que está muy presente, en distintas formas, a lo largo de la película. La presencia de esta religión le agrega, sin lugar a dudas, una capa más de vampirismo a la película, porque la esencia de dicha religión es vampírica por sí sola. El aparato viene "anunciado" a Jesús Gris por un arcángel. Jesús Gris, en su nombre lleva al Dios de los cristianos, que en la película muere en vísperas de año nuevo, pasa un día en la barranca, otro día en su funeral, y al tercer día, justo cuando estaban a punto de cremarlo, resucita. Jesús vaga por callejones de la ciudad de México, se pone un manto rojo que se encuentra tirado, llega con su nieta Aurora, quien lo acepta tal cual es, lo cuida, le da un techo y su "ataúd" para dormir. Toda esta secuencia tiene connotaciones bíblicas muy explícitas. Asimismo, rumbo al final de la película, al matar a Ángel De La Guardia cayendo desde una altura impresionante, Jesús Gris termina con un pedazo de vidrio encajado a un costado de su torso. En este mismo episodio, Jesús, al estar a punto de beber de la sangre que emana de una herida de su nieta, retrocede y decide acabar con el aparato. Lo destroza con una piedra y así, se sacrifica por ella y por todos. ¿Qué tiene que ver el vampirismo con el catolicismo? Comer del cuerpo del Señor y beber de su sangre en una celebración semanal explica claramente este punto.

Por último tenemos al vampiro tal cual como le conocemos: Jesús Gris. La diferencia de este vampiro es que el glamour de las historias clásicas de vampiros se queda totalmente de lado. Aquí el monstruo se ensucia las manos y llega a niveles bajísimos para conseguir saciar su sed. Guillermo Del Toro le llama "un vampiro tercermundista, de la clase trabajadora..." Esto está clarísimo a lo largo de la película, pues todo se lleva a cabo en la clase media de la ciudad de México. En ningún plano de la película, a excepción de la habitación del Sr. De La Guardia, se exhibe el primer mundo, la comodidad, la limpieza, etc. Jesús Gris, en vez de beber sangre de una hermosa dama, se las tiene que arreglar bebiendo sangre emanada de la nariz de un hombre, que cayó al suelo de un baño; beber de la nuca de un anciano decrépito; y estar a punto de "cometer una ingestión incestuosa", como lo llama Del Toro, al antojársele saciar su sed con la sangre de su nieta. Asimismo, y para hacer énfasis en éste tipo de vampiros, Del Toro explica con su humor característico: "Es muy fácil morderle el cuello a Winona Ryder, pero agacharte a chupar sangre del suelo de unos baños, ¡eso es verdadero trabajo y verdadera necesidad!"

Del Toro tiene una filmografía en la que el subtexto tiene gran importancia como la historia que se está contando. En cada una de sus películas, si se les presta atención, se pueden descubrir las distintas capas que conforman "el todo". En el caso de Cronos, las distintas capas vampíricas que conforman la película, producen una mezcla que no tiene un sólo ingrediente de sobra.

Suo Tempore.

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NOTA: El análisis aquí presentado no se me debe de acreditar a mí, Chava Méndez, pues está basado en el comentario de Guillermo Del Toro en la película, donde explica todos estos puntos. A partir de escuchar su comentario, lo único que hice fue profundizar al respecto mediante ejemplos de la película.

Lo que se busca en un inicio es simplemente hacer llegar una perspectiva diferente a quienes no tienen el DVD Región 1 de Cronos.

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FOTO: cinemainc.blogspot.com